ACCÈS

Comment se rendre aux Pinacothèques et au Museum Brandhorst :

Tram 
Ligne 27: arrêt Pinakotheken

U-Bahn
U2: arrêt Königsplatz ou Theresienstraße
U3 | U6: arrêt Odeonsplatz ou Universität
U4 | U5: arrêt Odeonsplatz

Bus
Ligne 154: arrêt Schellingstraße
Ligne 100 (Museumslinie): arrêt Pinakotheken
Linie 100 (Museumslinie): arrêt Maxvorstadt/Sammlung Brandhorst 

Nous vous recommandons d’utiliser les transports en commun, en raison de l’absence de places de stationnement aux abords des musées.

Car
Deux places de stationnement destinées aux cars sont situées devant la Neue Pinakothek. Entre 10h et 20h, la durée de stationnement est limitée à 2h (disque de stationnement obligatoire).

Comment se rendre à la Sammlung Schack:

Bus
Ligne 100 (Museumslinie) : arrêt Reitmorstraße/Schack Galerie

Tram
Ligne 17: arrêt Nationalmuseum
Nous vous recommandons d’utiliser les transports en commun, en raison de l’absence de places de stationnement aux abords des musées.

Ce plan vous propose un aperçu des différentes possibilités d’accès. (PDF, 56 KB)

CHEF-D’OEUVRE Alte Pinakothek

Avec cet autoportrait, l’artiste, alors âgé de 28 ans, réalise le tableau le plus singulier de l’histoire du portrait. Bien que la frontalité et le degré élevé d’idéalisation évoquent des représentations du Christ, ces deux aspects ne peuvent être dissociés de l’étude des proportions humaines engagée par Dürer à l’époque. Le regard appuyé et la main créatrice, semblables à des outils à disposition de l’artiste, font de ce tableau une profession de foi artistique, tout comme  l’inscription en latin difficilement  traduisible qui souligne le travail de l’artiste: «Moi, Albrecht Dürer de Nuremberg, me représentais moi-même ainsi avec des couleurs durables à l’âge de vingt-huit ans.»

CHEF-D’OEUVRE Neue Pinakothek

En août 1888, Vincent van Gogh peint ce tableau aux couleurs éclatantes empreint de joie de vivre, afin de décorer son atelier à Arles, où il désire peindre avec Paul Gauguin. Le peintre y représente un vase et des fleurs posés sur une surface plane avec un arrière-plan, de manière simple et sans perspective. Le ton froid du fond turquoise accentue les tonalités jaunes et brun-jaune. Les fleurs évoquent l’été provençal et l’ardeur de l’existence – aux deux sens du terme – en écho à celle menée par Van Gogh. Ici la fleur représente le soleil, symbole de vie pour l’artiste qui l’a reproduite dans plusieurs tableaux.
La simplicité formelle et la puissance chromatique trouvent leur origine dans l’art de l’estampe japonaise et laissent transparaître les liens avec le mouvement du cloisonnisme issu du cercle d’artistes de Gauguin. «Les Tournesols» témoignent aussi de la manière dont Van Gogh percevait le Sud de la France : un «Japon» au sens large où mener une vie heureuse.       

Le tableau présenté à Munich n’est pas la seule version des «Tournesols» que Van Gogh ait peint, mais celle-ci revêt une importance particulière. L’artiste a toujours considéré ce tableau comme le pendant de celui exposé à la National Gallery de Londres. Plus tard, il songea même à encadrer la peinture intitulée «La Berceuse» de ces deux tableaux, afin de créer un triptyque.

CHEF-D’OEUVRE Pinakothek der Moderne

En 1937, Beckmann émigre à Amsterdam, où il travaille dans des conditions difficiles durant l’occupation allemande. Au tournant de l’année 1943-44, l’artiste y réalise cet autoportrait dans lequel il se présente impérieux et intact, le visage figé toutefois par un masque impénétrable. Son costume noir, réduit à la fonction d’attribut échappant à toute situation réelle, isole l’artiste socialement en l’enveloppant d’austérité. Sur le plan formel, cette masse obscure enferme toute la composition jusqu’au spectateur. Cette impression est renforcée par la barrière formée par le bras plié en angle dièdre et par le dossier de chaise. Parmi les nombreux autoportraits de l’artiste, celui-ci est peut-être l’un des plus amers, car l’agressivité qui s’en dégage ne le protège pas seulement d’un vis-à-vis hostile, mais le détourne également de lui-même. S’il portait un véritable costume, Beckmann ne pourrait s’apparaître à lui-même plus éloigné que dans cet habitus apparemment « banal ». Le départ de l’artiste, quelques années plus tard, pour les États-Unis, où semble régner une liberté apparente, contribuera à apaiser, un temps, son attitude tragique empreinte de rigidité.     

CHEF-D’OEUVRE Museum Brandhorst

Né en 1928 à Lexington, en Virgine, et décédé en 2011 à Rome, l’artiste américain Cy Twombly occupe une place particulière au sein de la collection Brandhorst. Après des études d’art dans différentes universités, il fréquente brièvement le Black Mountain College, puis se rend en Europe et en Afrique du Nord avec Robert Rauschenberg. Ce voyage conduit Cy Twombly à orienter son travail sur l’espace méditerranéen qui fut l’une de ses principales sources d’inspiration.
Dans son œuvre, l’artiste est parvenu comme aucun autre à associer image et texte avec sensibilité et lyrisme. Avec Robert Rauschenberg et Jasper Johns, Cy Twombly est un représentant majeur de la génération d’artistes qui s’est distanciée de l’expressionnisme abstrait. Tout comme ses deux collègues, il a ouvert une nouvelle ère au-delà de l’art américain, et a développé son propre langage visuel qui influencera d’autres artistes par la suite.

Composée de douze tableaux, son œuvre monumentale «Lepanto» (2001) est présentée en permanence dans une salle conçue conjointement avec l’artiste au cœur du musée. Avec plus de 170 travaux – peintures, sculptures et dessins – provenant de différentes périodes de création, la collection Brandhorst offre un aperçu de l’évolution de l’œuvre de cet artiste atypique. Figurant parmi les collections les plus abondantes hors des États-Unis, elle est comparable à la Menil Collection de la Cy Twombly Gallery à Houston au Texas.

CHEF-D’OEUVRE Sammlung Schack

«Triton et Néréide» est le dernier tableau de Böcklin acquis par Schack. Une fois encore, le thème trouve son origine dans la mythologie antique : des créatures des mers au cœur d’une passionnante constellation suscitent l’interrogation du spectateur. Fils de Poséidon et d’Amphitrite, Triton est une créature hybride pourvue d’un buste d’homme et d’une queue de poisson. Böcklin le représente sous la forme d’un être sauvage, hirsute et barbu, qui souffle dans une conque, dos au spectateur. La Néréide, fille du dieu marin Nérée, est représentée sous les traits d’une jeune femme aux longs cheveux bruns et au regard sombre qui s’étire sur un rocher dans une posture lascive. Elle est nue, seul un fin voile rougeâtre couvre ses jambes. Elle semble subitement se tourner vers un puissant serpent de mer qui émerge des flots près d’elle. Le paysage, immense, est plongé dans l’obscurité. Le ciel, assombri par des nuages gris-bleu, se fond imperceptiblement dans la mer anthracite qui se couvre d’une écume peinte avec finesse et virtuosité. Dans cette nature grandiose et infinie, les personnages se consacrent entièrement à leur existence. Böcklin écarte toute possibilité d’interprétation restrictive de sa peinture : l’eau comme cause profonde de l’existence, les créatures aquatiques, ou encore la tension érotique entre les deux sexes laissent le spectateur libre de pratiquer ses propres associations.