Arrivo

Potrete raggiungere le Pinacoteche e il Museo Brandhorst in:

Tram
Linea 27:  fermata Pinakotheken

Metro
U2:  fermate Königsplatz o Theresienstraße
U3 | U6:  fermate Odeonsplatz o Universität
U4 | U5:  fermata Odeonsplatz

Autobus
Linea 154:  fermata Schellingstraße
Linea 100 (linea del museo):  fermata Schellingstraße
Linea 100 (linea del museo):  fermata Maxvorstadt/Collezione Brandhorst 

Si consiglia di arrivare con i mezzi di trasporto pubblici in quanto non sono disponibili parcheggi nelle dirette vicinanze dei musei.

Autobus da viaggio
Davanti alla Nuova Pinacoteca sono disponibili due parcheggi per autobus. Tra le ore 10 e le 20, il tempo di parcheggio (con disco orario) è limitato a due ore. 

Alla Collezione Schack è possibile arrivare in

Autobus
Linea 100 (linea del museo):  fermata Reitmorstraße/Schack Galerie

Tram
Linea 17:  fermata Nationalmuseum

Si consiglia di arrivare con i mezzi di trasporto pubblici in quanto non sono disponibili parcheggi nelle dirette vicinanze dei musei.

La nostra cartina della zona (PDF, 56 KB) fornisce una panoramica delle diverse possibilità di arrivo.

Capolavoro Alte Pinakothek

In questo dipinto, il giovane ventottenne crea un’immagine insolita della storia del ritratto. Sia la frontalità che l’elevato grado di idealizzazione ricordano le rappresentazioni di Cristo ma entrambi gli aspetti vanno senz’altro ricondotti anche agli studi sulle proporzioni umane, iniziati da von Dürers in questo periodo. Lo sguardo acuito e la mano creativa, strumenti dell’artista, fanno di questo dipinto l’immagine interpretabile di un programma artistico mentre l’iscrizione latina appena traducibile, pone l’accento sulle caratteristiche materiali del pittore: “Così io, Albrecht Dürer da Norimberga, sono riuscito a ritrarmi con colori caratteristici nei miei 28 anni”.

Capolavoro Neue Pinakothek

Vincent van Gogh fece di questo quadro, dipinto nell’agosto nel 1888 e pervaso da colori luminosi e da un’atmosfera di serenità, il gioiello del suo Atelier di Arles, in cui desiderava dipingere insieme a Paul Gaguin. Con semplicità e su un’ampia superficie, il pittore raffigura vaso, fiori, una base di supporto e lo sfondo. Il turchese ghiaccio sullo sfondo consente una straordinaria accentuazione delle tonalità gialle e marroni. I fiori risvegliano l’idea della Provenza d’estate e della vita incandescente (nel vero senso del termine) condotta da van Gogh. Il fiore rappresenta il sole, simbolo di vita, che l’artista propone qui come in altre opere.

La forma semplice e i colori forti ricordano le stampe giapponesi, evidenziando così un legame con il cloisonnisme della cerchia di Gauguin. La Francia Meridionale, che van Gogh percepiva in senso lato come “Giappone”, era per lui il luogo in cui era possibile vivere una vita felice. Così anche i “Girasoli” trasmettono questa convinzione.

Il dipinto ospitato a Monaco di Baviera non è l’unica versione dei “Girasoli” dipinti da van Gogh ma è certamente una delle più importanti. L’artista considerava questa versione complementare a quella esposta alla National Gallery di Londra. In seguito pensò di utilizzare due dipinti di girasoli ne “La Berceuse”, per creare una cornice particolarmente festosa. Nacque così un trittico.

Capolavoro Pinakothek der Moderne

Nel 1937 Beckmann emigrò ad Amsterdam, dove lavorò con grandi difficoltà anche durante l’occupazione tedesca. Questo autoritratto nasce a cavallo tra il 1943 e il 1944. L’artista si presenta altezzoso e fiero ma con un volto mascherato da un’incomprensibile rigidezza. L’abito formale color nero funge solo da attributo ma non simboleggia  nessuna situazione reale. L’artista si presenta come carattere sociale distaccato e inaccessibile e, al contempo, come una forma nera che chiude formalmente la composizione all’occhio dell’osservatore. Questo aspetto viene ulteriormente rafforzato dal braccio in posizione angolare a mo’ di barriera e dallo schienale della sedia. Tra i vari autoritratti dell’artista, questo è probabilmente uno dei più aspri, perché non solo tutela l’aggressività ostentata da una controparte ostile ma aliena anche se stesso. Anche con un reale travestimento, Beckmann non avrebbe potuto apparire più distante di quanto non sia in questa evidente veste “quotidiana”. Questo suo tragico atteggiamento di rigidità si dissolve parzialmente con l’emigrazione in America e con la libertà esterna ad essa legata.

Capolavoro Museum Brandhorst

L’artista che influenza la Collezione Brandhorst è l’americano Cy Twombly, nato nel 1928 a Lexington/Virginia e morto il 2011 a Roma. Dopo aver conseguito degli studi d’arte in diverse università, frequentò per breve tempo il Black Mountain College, per poi intraprendere un viaggio in Europa e nel Nordafrica insieme a Robert Rauschenberg. Da allora, Twombly si occupò dell’area mediterranea, che divenne una delle sue principali fonti di ispirazione.

L’arte di Twombly presenta come nessun’altra un legame sensibile e lirico tra immagine e testo. Oltre a Robert Rauschenberg e Jasper Johns, Twombly è il maggiore rappresentante della generazione che sostituì l’espressionismo astratto. Come i suoi due colleghi, anche lui riuscì a dare avvio ad una nuova e significativa epoca, non solo per l’arte americana, e a sviluppare un linguaggio di immagini molto influente e unico nel suo genere.

L’opera monumentale di Twombly, “Lepanto” (2001), composta da 12 quadri, è esposta permanentemente in una sala centrale del museo, strutturata come desiderato dall’artista. Con oltre 170 opere, di cui dipinti, sculture e disegni, di diversi periodi creativi, la Collezione Brandhorst offre una panoramica sull’evoluzione artistica di questo straordinario artista e risulta così la collezione più significativa al di fuori degli USA, paragonabile solo alla Cy Twombly Gallery della Menil Collection di Houston/Texas.

Capolavoro Sammlung Schack

Tritone e Nereide è l’ultimo dipinto di Böcklin commissionato da Schack. Il tema rimanda ancora una volta all’antica mitologia. Le creature del mare sono presentate in una costellazione tesa dal punto di vista psicologico, che lascia ampio spazio a speculazioni sui rapporti tra i singoli personaggi. Tritone è il figlio di Poseidone e Anfitrite, un essere ibrido, con la parte superiore del corpo umano e una coda di pesce. Böcklin lo presenta come un essere selvaggio con la barba, che rivolge all’osservatore il suo dorso peloso mentre soffia in una maestosa conchiglia. Nereide, una delle figlie del dio del mare Nereo, viene raffigurata come una vergine con lunghi capelli castani e occhi scuri, distesa sullo scoglio con fare lascivo. È nuda, solo un sottile velo rosso le copre le gambe. Come per un capriccio improvviso, si volge verso un potente serpente del mare, emerso dalle onde dinanzi a lei. Il paesaggio è ampio e cupo. Il cielo, avvolto da nubi scure e bluastre, si fonde impercettibilmente in uno spumeggiante mare grigio-nero, i cui delicati spruzzi d’acqua vengono raffigurati dall’artista con grande maestria. I personaggi si trovano per tutta la loro esistenza in questa grandiosa natura senza fine. Böcklin non consente un’interpretazione conclusiva della scena raffigurata. L’acqua come sorgente di vita, alcune delle creature appartenenti a questo elemento e la tensione erotica tra i sessi lasciano allo spettatore ampio spazio per le associazioni.